Cambio del indigenismo

En partes anteriores de nuestro blog hemos hablado sobre el indigenismo y algunos representantes de esta corriente. Sin embargo, en este punto las cosas cambian de tal modo que todo lo que se realizaba con respecto esta corriente cambia.

Como las personas asimilaban que el indigenismo era sinonimo de Sabogal, en el momento en que nuevos artistas comenzaron a surgir se les encasillo a todos con lo mismo por lo que comenzó a surgir un movimiento que iba en contra de indigenismo de sabogal donde podemos encontrar diferentes pintores.

Servulo gutierrez

Sabino Springett




A diferencia con el clasico indigenismo de Sabogal aquí podemos ver que los indigenos no son representados de la misma manera que antes, además de ser muy diferente el tipo de tecnica que se les da. Los personajes no son representados para nada de la misma manera que antes mostrandoseles ya no como pobres campesinos si no como personas dignas que no tienen nada que envidiar a otros.

Poeta del Color

Ser poeta no siempre significa trabajar entre pared y pared entre letras, ser poeta simboliza también a quien libera sentimientos en base a alguna expresión, en este caso artística. Es en este contexto en donde encontramos a un gran artista poético: Manuel Pantigoso.

Y es que los colores no son colores, son sentimientos escondidos; y Pantigoso lo supo y describió muy bien en su trabajo, no en vano su estética innovadora y su variada temática llama mucho la atención del observador, no por las formas; sino mas bien es mucho más interesante la manera de expresar la esencia del hombre, uniendo colores, sentimientos y trazos que estos manifiestan.

Uniendo todos en un mismo instante, nacen sus creaciones. Sus cuadros presentan (con estos elementos) influencia vanguardista, el dominio del color y un buen manejo del contraste hacen que no sean necesarios tantos elementos para trasmitir una emoción fuerte y definida. Trabaja el espacio paisajístico recreando montañas, haciéndolas ver majestuosas e imponentes, creando la ilusión de crecimiento de estas en el horizonte. Al trabajar personajes, los hace ver también majestuosos.

El color representativo para el fue el amarillo, conociendo su significado de juventud, entusiasmo, y la particularidad de llamar la atención, nos damos cuenta de que en realidad este color lo representaba mas que mejor, a un poeta que, si bien destaco menos en las letras, nos ha dejado un buen legado de color y figuras que en conjunto ganan belleza y crean emociones y expresiones fuera de nuestro entorno.

No es la misma cosa

En esta entrada hablaremos de las diferencias entre Julia Codesido y Camino Brent, ambos artistas pertenecientes al indigenismo.

Primeramente respecto a sus formaciones, Codesido estudió en la escuela de Bellas Artes siendo alumna de Hernández y Sabogal, y vivió parte de su vida en Europa, por lo que podemos decir que recibió influencias de tendencias europeas. Debido a tales influencias, su obra pasó por tres etapas:

La primera en 1919-1924 podemos encontrar trabajos en los cuales la artista tiende a ser un tanto naturalista, ya que en sus pinturas podemos encontrar diversos desnudos y retratos. Durante 1925 – 1944, recibió mucha influencia por parte de Sabogal, debido a ello es que se la vincula en la etapa del indigenismo.

Podemos ver que el poder de influencia de Sabogal sobre Julia era fuerte, ya que sus cuadros no solo contaban con una temática indígena y mestiza sino que además, se podían encontrar colores vivos, en el rostro los pómulos eran angulosos, los ojos eran grandes, las pupilas eran dilatadas y contaban con un trazado fuerte.

Finalmente durante sus últimos días podemos notar que los trabajos de Julia Codesido van mas allá de la tendencia del periodo indigenismo, pues al contar con influencias europeas y mexicanas, por ejemplo, gracias a ello la artista pudo reelaborar y asimilar dichas influencias, obteniendo como producto final, pinturas con características propias de ella.

Por su parte, Camino Brent también recibió influencia de su profesor a Daniel Hernández y luego de José Sabogal. Él viajaba mucho, esto lo hacia con el fin de poder encontrar nuevos paisajes que pudiera retratar.

En sus obras podemos identificar retratos de burgueses y pinturas que demuestran la religiosidad popular, además del trabajo de paisajes como rincones poblanos, calles, plazuelas, y los representaba con colores terrosos, ondas y fluidez.

Como podemos ver, ambos artistas pertenecen a la misma época, estudiaron en el mismo lugar, se formaron con los mismos profesores, sin embargo ambos presentan rasgos distintos en sus obras, por parte de Codesido, se puede ver la atracción sobre lo natural, desnudos, colores vivos, la temática indígena, trazados y fuertes, y además cosas muy sintetizadas pertenecientes al periodo de reelaboración de su obra por parte de influencias externas. Por parte de Brent, podemos ver su tendencia hacia los retratos, la religiosidad, la arquitectura que era muy trabajada por él, también representa lo indígena, y el por su lado utiliza colores terrosos. Estas son algunas de las principales diferencias que podemos encontrar en las obras de estos artistas.

Indigenismo por nosotros

Tras haber estudiado el Indigenismo, tomando en cuenta todas sus características temáticas y técnicas, se nos fue asignado crear nuestras propias pinturas indigenistas a manera de poner en práctica nuestra comprensión y compartir entre todos nuestros conocimientos y puntos de vista de cada uno respecto al tema.

Nos queda claro que el indigenismo no solo busca reinvindicar al indio; también busca valorar y respetar su presencia. A pesar de que la temática es única, los diferentes artistas que hemos visto en clase difieren mucho en cuanto a técnica, lo cual es el resultado de las diferentes formaciones personales que recibió cada uno.

Los trabajos presentados en clase satisfactoriamente acertaron con la temática, sin embargo nos resulta más complicado entender la técnica indigenista, ya que esta en si tiene aspectos similares al impresionismo, costumbrismo y otras corrientes, por lo tanto es complicado notar la diferencia.

Esta es una de las pinturas que fue presentada en clase, de formato A3, acrílicos sobre canson. Fue elaborada teniendo en cuenta la presencia del indígena y la tradición; predomina en la composición a manera de enaltecerlo como protagonista de la pintura. Entre las características que podemos notar se encuentran el uso del color variado como herramienta para definir volúmenes y profundidad; la pincelada es característica del indigenismo, suelta, "garabateada", no estableciendo formas definidas. Posiblemente le falto textura, lo cual le hubiera permitido entrar más a la corriente indigenista.

Este cuadro fue trabajado con acuarellas espesas para asemejar las pinceladas toscas y cargadas de óleo en un formato A4 horizontal sobre cartón para darle un matiz especial a la piel y al cuadro en general. Representa una indígena peruana pero esta vez de la zona amazónica en lugar de la típica sierra olvidada. Los pómulos y los ojos grandes así como la pintura facial típica de su etnia han sido destacadas para que se muestre la escencia de la persona.

Esta pintura fue trabajada con tempera para dar sensacion de textura, aun con falta de volumen; predominan los colores verdes para un espacio mas natural y vivo, en formato A3 vertical en carton maqueta. La tematica basicamente sugiere a la libertad y sensacion de tranquilidad de los habitantes de una sierra, en muchos sentidos, olvidada, mucho mas cuando se tratan de lugares mas alejados, en donde no hay mas felicidad que sus paisajes verdes.

Esta pintura fue trabajada con acrilico sobre un A3 para darle volumen. Lo más resaltante de esta pintura a compararse con las tecnicas utilizadas del indigenismo son las montañas donde los colores te dan la sensación del volumen.

Como conclusión del trabajo práctico del indigenismo, hemos notado que a pesar del manejo de una temática única, esta corriente es tratada de diferentes maneras dependiendo del artista y su técnica. Asímismo hemos comprendido la importancia de la presencia del indígena, ya que es parte de nuestra tradición, nuestra cultura y nuestro país; por lo cual deben ser tomados en cuenta, valorados y respetados.

Ella siguió creciendo

Siguiendo con el indigenismo, se nos presenta ahora Julia Codesido, de quien algunos ya habíamos oído hablar en el colegio, cuando una profesora hacía referencia a "maravillosas pinturas, obras de arte" sin nosotros entender muy bien a qué se refería con esto, viendo nada espectacular - al menos en aquel momento- en sus cuadros.

Pues bien, llegó el día en que la historia del indigenismo peruano la menciona, y vemos sus obras de desnudos y cuadros típicos, bastante "Sabogal" en un comienzo (lo que no es de extrañarse, pues Julia fue una de sus discípulos), en donde resalta las características faciales, los pómulos iluminados, la piel cobriza.Pero luego poco a poco vemos que Julia encuentra SU estilo, su propia forma de trabajar el indigenismo, encuentra lo que muchos le decimos "el toque personal".

Julia fue instruida en arte en Europa, de modo que por sus ojos ya habían pasado diversos tipos de expresión que incluían la abstracción, surrealismo,post impresionismo, etc., ya había visto florecer las vanguardias de modo que tenía con qué nutrir su estilo en lugar de limitarse a lo "indigenista clásico", por así decirlo. Es por eso que muchas de sus obras ya salen del sobrio convencional y las formas empiezan a alargarse, a sintetizarse, abstraerse y mezclarse unas con otras, sin perder en ningún momento la temática con la que trabaja.

Siempre en silencio

Llevando una clase introductoria al Costumbrismo descubrimos una vez más la historia que nunca parece acabar.Una vez más, interceden terceros por quienes no alzan la voz, por quienes no tienen ningún interés en hacerlo. Permítanme explicarme..

en esta etapa de la pintura(y claro está, de la historia del Perú, porque una ideología o movimiento por lo general repercute en todo ámbito cultural) se expone al hombre rural, al que vive en los andes, alejado de un Perú que básicamente es Lima y sólo eso, olvidándose de lo demás.

Pero este tema no es expuesto por estos campesinos, ni indígenas ni nativos, no, ninguno de ellos,sino por personajes que si bien son del país no han vivido ni la vida ni los problemas señalados. Los campesinos seguían en el campo, seguían con sus quehaceres diarios mientras pintores como Sabogal elaboraban cuadros y más cuadros sobre ellos. Este pueblo olvidado por todos - o casi todos- era sobreprotegido -psicologicamente, no en acciones, por cierto,- por este movimiento indigenista, que los veía como aquellos a quienes debían proteger al no tener voz propia, a quienes debían tratar como un niño que no puede cuidarse por sí solo.

Si alguien no se queja es simplemente porque no quiere hacerlo, y esa es la verdad. Esto ya ha pasado antes, en nuestra historia, como mencionamos antes, y como ejemplo tenemos el mismísimo establecimiento de la república, de un Perú como país y no como colonia. Si Perú se independizó no fue por iniciativa de los nativos, no, sino por terceros interesados en lo que podrían sacar del proceso.

Pero, ¿cuál es el problema en esto?
Creo que la respuesta es simple, y lógica.

Si alguien no actúa por sí mismo y más aún alguien más interviene por ellos, la persona se va a acostumbrar a que todo lo hagan por ella, se va a costumbrar a no hacer nada, a no involucrarse en un proceso, se acostumbra a no formar parte.
Como país en sí estamos atrasados, lidiando con problemas de pobreza, abuso, delincuencia, y no se hace mucho al respecto, tal vez porque se espera (como ya estamos acostumbrados) a que alguien más tome las cartas en el asunto..cualquiera fuese el resultado.

Màs pintores del Neoacademismo

*Francisco Canaval: Nació en Lima en 1877desarrolló con gran habilidad el manejo de los fondos oscuros, en los que a veces se distingue apenas, las figuras que desea resaltar. Hombre con botella, Mestiza durmiendo y Anciano sentado frente a cuadro, vinculan su obra a la escuela del gran Rembrandt. Murió en 1911.

*Enrique Domingo Barreda: Nació en Lima en 1879, su obra logró superar los estrechos límites del Neoacademismo, composiciones como El rabí manifiesta el enfrentamiento que vivían los artistas entre la excelencia del dibujo y la ausencia del color. Ya en Europa optó por una pintura al aire libre, logrando obras de gran soltura, equilibrio y vivacidad, por ejemplo Marina o Barcas y Monte Cucco, se nota su preferencia por el tema paisajista. Murió en 1944.

*Mario Urteaga: Nació en Cajamarca en 1875, centró su atención en plasmar escenas de la vida diaria de su pueblo; no obstante ser autodidacta, se le considera un precursor del indigenismo. Retrata con sobriedad y equilibrio el mundo rural en el que vive, sin olvidar escenas de la dramática realidad del medio campesino. Obras suyas son Captura de un abigeo y Paisaje o Escena campestre. Murió en 1957.

Urteaga ha logrado mostrar al mundo "los indios más indios que jamás se han pintado", según la frase conclusiva de Teodoro Núñez Ureta.

Neoacademismo

Bajo la influencia del impresionismo de París surge en Europa el neoacademismo, el cual propone una temática mas libre con un mejor tratamiento de la luz, ya no se preocupa en buscar la perfección en sus cuadros, esto lo podemos ver en todas las pinturas pertenecientes a esta época, ya que en vez de pintar las cosas realísticamente hacen como manchas las cuales son favorecidas con el adecuado tratamiento de luz brindada por el autor. En el Perú destacan artistas como Daniel Hernández, Teofilo Castillo, Carlos Baca Flor, Francisco Masías, José Effio, Alberto Lynch, Francisco Canaval, Enrique Domingo Barreda, Mario Urteaga.

Pintores:

Daniel Hernández: Nació en Huancavelica el 1 de agosto de 1856, hijo de Leocadio Hernández y Basilia Morillo. Empieza su educación artística a los 14 años, y tenia como profesor a Leonardo Barbieri, el cual era encargado de un taller de dibujo y pintura. Llego a ser presidente de la Sociedad de Pintores Españoles residentes en París y exhibió en el Salón Anual de la Sociedad de Artistas Franceses durante siete años y durante todo este tiempo tuvo una amplia y triunfal acogida. En 1900 fue declarado Honoris Causa en todos los salones, alcanzando renombre en los círculos académicos europeos. Nuestro artista trabaja también como ilustrador, autor de reclames y decorador, ilustra el Balzac de Arte publicado en Nueva York, adquiere fama y prestigio, sus cuadros alcanzan enormes precios y su obra se instala en las colecciones de museos de Munich, Madrid y Paris. Formo parte de la escuela de Bellas Artes en 1918, siendo llamado por el Presidente José pardo para asumir la dirección de ésta. Sus trabajos se caracterizan por que cuentan con un equilibrio permanente entre sus dibujos y los colores, y por la excelencia hasta en los mínimos detalles. Es considerado como el gran maestro de la pintura nacional. Muere en Lima en 1932.

*Teófilo Castillo: Nació en 1857 en Carhuaz, Fue hijo de Juan Amancio Castillo y Petronila Guas. Fue el primer crítico de arte en nuestro medio, por sus acertados y a veces acidos comentarios se gano la admiración de muchos y el recelo de los otros que hablaban mal de él. La mayor parte de sus obras estas vinculadas a la Lima virreynal, utiliza los tonos graves, y un manejo casi lírico del color. En sus obras podemos ver mucho los paisajes naturales del interior del Perú. Muere en 1922.

*Carlos Baca Flor: Nació en Arequipa en 1867, Antes de cumplir un año fue llevado por su familia a Santiago de Chile; Carlos hizo en Santiago sus primeros estudios, dando muestras de talento para el arte, lo que fue estimulado por sus padres. Cuando ingresó a la Academia de Bellas Artes de Santiago, en 1882, era apenas un adolescente, impetuoso, lleno de ideas, los alumnos de años superiores le decían “el crítico” porque al observar sus trabajos encontraba los defectos. Destacó siempre, ganó todos los años la medalla de oro ante el asombro de los estudiantes y profesores participando con: pinturas, esculturas y dibujos. Al terminar sus estudios le otorgan El Premio Roma, un galardón especial por haber ganado los tres últimos concursos de manera consecutiva. Aquí es el punto en la historia en el que se puede ver los valores de una persona única. Al estar en el estrado el día de la premiación el Rector de la Academia de Artes de Santiago le propone nacionalizarse (un requisito para recibir el premio era ser chileno). Baca-Flor contesta con voz clara y grave "NO mi patria pasa la desgracia de fracasar en una guerra y la patria es como una madre, uno no puede traicionar a su madre. Prefiero no recibir el premio". Acto seguido se retiró de la ceremonia. El embajador peruano comunicó el hecho a su presidente -entonces Cáceres quien dijo: "Nosotros le daremos la beca a Roma". Baca-Flor hombre intachable y agradecido reconoce a Chile como su segunda patria; en la que se educó, lo quisieron y respetaron. Llega a París en 1890 con ayuda del gobierno peruano, hace una brillante carrera. En Europa conoce el maestro español Francisco Pradilla que dirige la Academia Española de Bellas Artes de Roma. En París hizo amistad con el pintor catalán Hermen Anglada-Camarasa y juntos descubren la noche parisiense y sus posibilidades pictóricas. En Francia en 1908 es descubierto por J.P. Morgan; magnate de las finanzas y apasionado coleccionista de arte. Morgan lo invita a Norteamérica, brinda un banquete en honor a Carlos y muestra el retrato que le ha hecho, asisten: banqueros, mineros, embajadores... Todos coinciden en la belleza y fidelidad del retrato de Morgan. Baca-Flor se convierte al instante en: El Retratista de los Millonarios. Baca-Flor corona su vida con la fama y el éxito profesional. Cultiva disciplina, seriedad y un talento híper realista que aún no ha sido reconocido por los catálogos de Historia del Arte. Fallece el verano de 1941.

Francisco Masías: Nació en Lima en 1838, trabajó con notoria inclinación por el retrato y temas de tipo histórico, así como por los bodegones y los paisajes. Ente sus obras tenemos Niña campesina, Escena pastoril y Paisaje con cascada. Murió en 1894.

José Effio: Nació en 1842, concentró su interés en temas locales y supo captar algunas costumbres de la Lima de fines de siglo e imprimió a sus composiciones un sentido de humor, sobresaliendo la alegría y el colorido de sus cuadros. La venganza de Cornaro pone de manifiesto el manejo del claroscuro es propio de academia. Muere en 1907

*Alberto Lynch: Nació en Trujillo en 1851, extraordinario exponente del Neoacademismo y con una clara tendencia romántica, vivió y triunfó en el ambiente parisino; en la academia de Buggereau aprendió las técnicas del retrato, logrando extraordinarios lienzos llenos de elegante textura y perfección técnica y cromática. Los óleos Retrato de dama y La despedida ponen de manifiesto su habilidad como retratista. El óleo le permite hacer del dibujo fino y de la pincelada firme las herramientas más notables de su producción, destacando los detalles del entorno, para captar y rescatar la luz. Murió en 1936.

Guerreras amazonas

Grupo de mujeres guerreras fuertes e independientes que habitan en la amazonia; es lo primero que pensamos al mencionarlas, hasta cierto punto esto parece real y puede que para algunos en algún momento fue creíble, es imposible que se pueda sobrevivir en una sociedad así ya que no hay hombres con quienes pudieran engendrar hijos.

Toda esta creación de proviene de los antiguos griegos que decían que ellas vivían en Turquía cerca del mar negro, donde tuvieron varios reinos; según el mito ningún varón podía mantener relaciones ni vivir con ellas. Para evitar la extinción visitaban a una tribu vecina de gargarios y los niños varones que resultaban de esto los mataban, devolvían a sus padres o simplemente los dejaban a su suerte mientras que las niñas se quedaban con ellas para aprender de sus madres sobre las labores de campo y el arte de la guerra.

Ciertos informes nos dan a pensar que esto pudo haber sido cierto aunque no al pie de la letra, ya que se han podido encontrar gran cantidad de restos de mujeres enterradas con armas; en zonas de Asía era habitual de que todos los hombres salieran en campañas dejando solos a las mujeres por años.

No es por comparar pero...

Tras estudiar etapas de la pintura peruana como costumbrismo y academismo, podemos ver las claras diferencias entre ellos, como el evidente manejo de técnica resaltando en primer lugar, más allá de la temática.

Dentro de las primeras muestras de arte republicano tenemos a Gil de Castro, quien hacía retratos y cuadros no religiosos ( como era la costumbre previa) sino de aristócratas, políticos, libertadores, todos con los rostros especialmente trabajados, en comparación con el resto de los cuerpos. Su técnica no era la mejor, no manejaba bien las proporciones, sombras ni profundidades, es decir, no tenía un buen manejo técnico, pero se notaba la intención de la obra.

Tenemos luego a Pancho Fierro, de quién ya hemos hablado en un post anterior,rostro del costumbrismo. Sus acuarelas muestran trazos bastante sueltos, relajados y sin mayor esfuerzo de mostrar un técnica perfecta; lo que él busca es capturar el momento, las costumbres del pueblo, las tradiciones. Más que preocuparse qué sombra va a dónde, quiere mostrar cómo se vive en su Lima.

En la época del Academicismo, los artistas retoman las técnicas clásicas,ya que ellos han tenido estudios en Europa y han sido influenciados por estilos como el romanticismo, neoclásico y rococó.Tanto Merino, Laso y Montero se convierten en artistas de renombre que dominan a la perfección las sombras, formas, escenarios y materiales con los que trabajan.

Al ver los tres estilos juntos, notamos en qué etapa dibujan "bien", pero a la vez destaca las pinturas de Pancho Fierro, ¿Por qué, si su técnica no era "la mejor"?Pues porque tenía un estilo definido, sus obras tienen una personalidad que resalta por encima de los detalles técnicos, tienen un mensaje y narran algo, y eso las hace especiales.

Academismo

Lima: una vista por Pancho Fierro

La vida de los limeños del 1800, mestizos y revoltosos, no se habría conocido después de tanto tiempo sin las famosas Tradiciones de Ricardo Palma y las inmortales acuarelas del "Goya* Afroperuano" Pancho Fierro

En sus acuarelas, Pancho Fierro se identifica con la Lima de esa época, revoltosa y costumbrista; ya que en su etapa adolescente, perteneció a la generación que presencio el surgimiento del país, es decir, vive los primeros años de libertad del Perú, dado esto, es probable que sea influencia en la técnica y libertad de sus pinturas. Con intención o no, logra captar la esencia de una sociedad que ve con otros ojos la ciudad.

La acuarela fue el medio por el cual Fierro "exprime" toda la sociedad limeña, mostrándola sin apariencias ni diferencias, el lo pinta todo tal y cual es, no solo como se ve. No se limita a un sector, sus pinceles trazaron a toda la sociedad limeña: magistrados, jefe de monteros, comerciantes, vendedores ambulantes (desde fruteros hasta tamaleros), aguateros, religiosos, las inigualables tapadas, militares; es decir, toda la sociedad era publica para Fierro. Y, así como pinto a personajes, también represento escenas festivas, tales como fiestas "bravas", peleas de gallos, procesiones, paseos. bailes generales y todas aquellas situaciones en donde se mostraban todas las categorías sociales con sus atuendos y danzas correspondientes a su estilo de vida.

Algo resaltante de su trabajo, es que no margina ni marca parámetros entre las clases sociales, condición en la cual el si estuvo involucrado; mas bien hay cierta jocosidad al presentar a algunos personajes en pocisiones un tanto ridículas, lo cual le da un toque cómico a la acuarela.

Resulta lamentable que Lima no cuente con alguna galería o una exhibicion de trabajo de Fierro, aparentemente unos cuantos trazos ingenuos y simples, pero que nos transporta a un contexto distinto, para tener una idea de como vivían los limeños inmediatamente después de la independencia, una Lima para verla con simpatía, una Lima solo vista por los ojos de Pancho Fierro.

Costumbrismo: Concepto y contexto

El costumbrismo es un movimiento artístico que busca representar usos y tradiciones sociales a través de las diferentes formas del arte, como la literatura, la pintura, el folklore, el teatro,etc.

El costumbrismo surge durante la primera etapa de la vida republicana, desde la victoria final en Ayacucho hasta mediados del siglo XIX. Durante estos años existe una confrontación entre conservadores y liberales.

El caos politico-económico y social que se extendió desde inicios de la república contribuyó a este género a expresar una temática de ironía y picardía, la vida tal como es, inestable y caótica.

Existe una relación evidente entre la literatura y pintura. Se aprecia en sus representaciones como en el caso de la mujer o famosa tapada, la geografía física, las descripciones de las calles de Lima, como veían a la nueva clase social poderosa (militares), entre otros.

La obra de los artistas es de gran importancia porque permitieron registrar tradiciones, oficios y vestimentas de la época así como su ideología y estructura social.

Arte Popular: Retablos

Los retablos ayacuchanos son una expresión artística muy conocida y reflejan el nivel artístico desarrollado por los artesanos de Ayacucho.

La palabra retablo deriva del latín “retabulus o retrotabule” que significa “detrás de la mesa”.

Surgió por la tradición española de traer altares y nacimientos portátiles, a los que también llamaban “belenes”

El retablo es una especie de caja, que contiene santos y otras figuras sagradas, usados generalmente para cuidar sus viviendas y cuando están de viaje.

Estos retablos miden generalmente alrededor de 30cm de alto, son rectangulares y sus puertas están unidas con tiras de cuero y en su interior las imágenes exhibidas tienen volumen y son fabricadas con una pasta de papa hervida y molida, mezclada con yeso. Pueden tener muchos detalles como carecer de ellos, pero por lo general los personajes más importantes van más grandes y en relieve y el fondo de madera se pinta.

Estas representaciones, además de mostrar la escena del pesebre pero de manera acorde al pueblo, muestran la celebración del pueblo, de pastores, la alegría del nacimiento, con colores vivos y decoración floral.